Entre Parenthèses

Entre Parenthèses

Selebe Yoon a le plaisir d'annoncer sa prochaine exposition collective "Entre Parenthèses", qui ouvrira ses portes le 15 mai 2024 de 18h à 22h. Avec les oeuvres d'Arébénor Basséne, Alioune Diouf, Mélinda Fourn, Naomi Lulendo et Sandra Seghir, l'exposition aura lieu dans l'extension temporaire de l'espace existant de la galerie.

Naomi Lulendo

Dans son travail, Naomi Lulendo explore la manière dont sont perçus certains corps, objets, et architectures, éprouvant leur capacité à se placer dans une relation nouvelle à l'histoire et au présent. Tant dans différents contextes culturels et géographiques que réels ou imaginaires. 

Ses œuvres de la série « Panorama » montrent l’intérêt de l’artiste pour les espaces intérieurs, un imaginaire de la maison, et leur lien à une ou plusieurs identités et dans ces peintures, d’une immobilité géométrique palpable, aux colonnes, claustras, angles et fenêtres, elle évoque une architecture de lieux au climat chaud et humide, comme la Guadeloupe native de Lulendo. Oscillant entre un lieu vécu ou un lieu rêvé, les lignes de fuite des perspectives se heurtent à une texture plus épaisse à la surface : des motifs de fleurs qui recouvrent la toile se dissipent graduellement dans le fond. Motifs récurrents dans l’œuvre de l’artiste, annulant ici la séparation entre intérieur et extérieur, intime et public, elles explorent dans ces œuvres les liens esthétiques et symboliques entre le corps, le vêtement, le revêtement, l’architecture, et font entrer le paysage dans l’espace intérieur. L’artiste joue avec l’ambivalence visuelle, la notion de transparence et de glissement, d'opacité et de reflet, renversant le fond et la surface dans un trouble spatial et temporel.

Alioune Diouf

Dans une œuvre monumentale, intitulée “Mémoire des Ancêtres”, Alioune Diouf dévoile une assemblée de personnages - telles des icônes spirituelles. Le regard droit vers le spectateur, certains de profil à la manière des personnages égyptiens, d’autres anthropomorphes aux têtes d’oiseaux, ces personnages d’une qualité intemporelle sont dotés de somptueuses parures et d’amples tuniques célébrant le style vestimentaire d’Afrique de l’Ouest. L’univers pictural de l’artiste se caractérise par l’entremêlement des personnages, d’un bestiaire aux allures fantastiques, de motifs cosmiques influencé par la philosophie Serer, et suggère les silhouettes de l’art ancien égyptien ou éthiopien. Pour broder le tissu cousu sur les toiles, Alioune Diouf utilise le Cornely, une machine à broder guidée par la main - le résultat s’apparente davantage à un dessin brodé.

Une œuvre de la même série est dans la Collection de La Maison des Esclaves, soutenue par la Fondation Ford.

Sandra Seghir

Sandra Seghir, peintre libano-guinéenne basée à Dakar, tisse dans son œuvre de multiples récits interrogeant le rapport à la mémoire à la fois individuelle et collective. De l’histoire à la mythologie, des images d’archives aux informations actuelles s’opère une tentative d’établir un langage pictural propre à sa vision mystique du monde. Dans l’œuvre « Sound of Pacific Revolution », Seghir s’intéresse au rôle de l’art et de la musique au sein des mouvements de résistance lors des indépendances ouest-africaines. La présence au sein de la toile de l’artiste nigérian Fela Kuti, figure majeure de l’héritage musical nigérian reconnu comme l’inventeur de l’Afrobeats, rend hommage à son univers musical, spirituel et politique. Ce personnage, visible en haut à droite de l’œuvre, pointe son doigt vers la foule, telle une injonction à la révolte par la musique.

Tous les éléments de la toile semblent répondre à un éclatement et un mouvement extatique. Dans une célébration du monde naturel et de ces éléments, une vague immense enveloppe l’ensemble des personnages alors que d’une tortue marine surgit un instrument-pinceau enflammé - telle une arme pacifique. Dans cet enchevêtrement de symboles, des figures statuaires blanches semblables aux sculptures européennes classiques font face aux masques polychromes d’Afrique de l’Ouest, posant la question d’une segmentation esthétique liée au rapport Nord-Sud. D’une palette vibrante, de mystérieuses présences presque fantomatiques se logent au sein des protagonistes de la toile, telles les invisibles des temps passés, et évoquent à l’artiste l’idée d’oralité, de mouvements et de sonorités inscrites dans un code génétique. Le corps, un sismographe de tous les sons passés, devient un lieu-mémoire. C’est ainsi qu’elle se pose cette question: à quoi pourraient ressembler les sons de la révolution dans la peinture ? Comment traduire la polyrythmie de la musique par la polychromie des couleurs ? 

Dans son œuvre “Les Voix”, l’artiste propose une série de peintures circulaires tendues sur tamis, comme des caisses de résonance. Les images prennent comme point de départ une ré-interpretation des archives élaborées par l’A.O.F (Afrique Occidentale Francaise) de cérémonies musicales, ainsi que l’album de famille de l’artiste dont la tante maternelle, Jeanne Macauley, figurait dans la troupe de danse des Ballets Africain de Guinée créé en 1950 et devenu un symbole culturel et révolutionnaire suite à la décolonisation du pays. L’artiste détourne ces images, leur insuffle à nouveau leur mouvement initial, renverse la dynamique des corps dans un geste de réappropriation. Telles des ondes sonores, dans les tons uniques de noirs, blancs et gris, ces capsules ressemblent à des fragments qui évoquent la fragilité de la préservation des traditions à l’ère de la modernisation et du progrès digital.

Arébénor Basséne

Arébénor Basséne conçoit une nouvelle série “Equinoxe” en se référant à ce terme astronomique qui désigne le moment où la durée de l’aube est égale à celle du crépuscule, le jour à la nuit. Cette nouvelle constellation abstraite est constituée de pièces faites sur papier et marouflées sur toile. Dans un certain trouble spatial et temporel, notre regard passe d'une unité à l'autre, les visions microscopiques des matériaux terrestres se transforment en macro perspectives des zones géographiques, des représentations en relief, des deltas, des dunes du désert et des tracés de rivière - une géographie nocturne se met en place. Les fissures et les plis de textures suscitent des visions brutes de la matière comme les strates rocheuses, les failles géologiques, la terre et le sable - des visions qui évoquent des paysages tant réels qu’imaginaires. Chaque œuvre faite sur papier kraft marouflé sur toile contient des matériaux divers: de la gomme arabique – matière première qui fit l’attrait des côtes d’Afrique de l’Ouest pour les navigateurs étrangers - mais aussi de l’encre utilisée pour les tablettes coraniques, le fouden (henné), des résidus de bois, des pigments naturels issus de la région de Dakar. Sa toile monumentale “Wild Sahelian Paradise” contient tout autant de matériaux divers et s’apparente à une cartographie utopique.  

Mélinda Fourn

D’origine béninoise, Melinda Fourn a grandi en France et a étudié aux Beaux-Arts de Paris. À la suite d’un échange universitaire au Ghana, avec la Kwame Nkrumah University of Science and Technology à Kumasi, elle fait le choix de s’installer en Afrique de l’Ouest, entre le Sénégal et le Ghana. De la sculpture, la photographie, l’écriture poétique à l’installation multimédia, elle s’intéresse aux savoir-faire artisanaux d’Afrique de l’Ouest, tels que le tissage, le tressage, la céramique, la bijouterie et le travail des métaux. Son œuvre, “Plaine ocre”, réalisée à partir de nombreux sachets de thé consommé et cousus à la machine mais aussi à la main par l'artiste-même, se transforme en rideau olfactif aux tonalités ocres. Alternant par bandelette, entre des sachets remplis et d'autres vidés de ses feuilles, la pièce évoque pour l'artiste les formes des tissus originaires du Ghana tel que le Kenté.  

Abordant la question de l’héritage, la transmission des savoirs-faires traditionnels ou encore les enjeux liés au corps, le bijou et l'ornement prennent une place importante dans les œuvres sculpturales de l'artiste. Melinda Fourn traduit en de nouvelles matières des bijoux traditionnels issus d'Afrique de l'Ouest tels que des boucles d'oreilles, collier ou éventail qu’elle met en scène à différentes échelles, afin de les détourner, les décorer, les magnifier. Leur apporter une existence dans le fer, c'est aussi les pérenniser dans une matière solide, alors que de nombreux savoir-faire disparaissent face à l'industrialisation et l'importation massive de produits étrangers. Oscillant entre hommage à la tradition et émancipation, elle investit cet espace flottant dans lequel les objets existent : entre le monde matériel et transcendantal, le domestique et le public, l’intime corporel et le sacré spirituel.